Sam Francis: A centennial exhibition

 

En octobre 1950, Francis s'installe en France et vit et travaille à Paris et dans le sud de la France pendant les six années suivantes. Sa première exposition personnelle a lieu à la galerie Nina Dausset, à Paris, en 1952. Sa peinture de l'époque, avec sa structure cellulaire et biomorphique, était fortement influencée par le peintre impressionniste Claude Monet. Francis était fasciné par Les Nymphéas de Monet. Il a déclaré : « Je veux simplifier Monet ». Il était également impressionné par les coloristes français Pierre Bonnard et Henri Matisse, ainsi que par la sculpture de Constantin Brancusi, à qui il rendait visite dans son atelier à Paris. Francis s'est également lié d'amitié avec Joan Mitchell et Jean-Paul Riopelle.

 

À partir de 1956, les premières œuvres de Francis sont de plus en plus souvent intégrées dans des expositions new-yorkaises, notamment The New American Painting au Museum of Modern Art (1958-59). En fait, le MoMA a joué un rôle clé dans la promotion du mouvement expressionniste abstrait, en particulier lorsque Dorothy Miller a été la commissaire de cette exposition qui a voyagé dans huit pays européens différents après son passage à New York. Outre celles de Francis, l'exposition contenait également des œuvres de Willem de Kooning, Jackson Pollock et Jack Tworkov. À cette occasion, un portrait photographique réalisé par Irving Penn paraît dans le magazine Vogue, montrant Francis en compagnie de ses collègues Tworkov, Barnett Newman, Theodoros Stamos, James Brooks, Franz Kline, Philip Guston et William Baziotes. À cette époque, Francis loue un deuxième studio à New York et commence à travailler sur sa peinture murale de la Chase Manhattan Bank, 1959. Cette année-là, l'artiste crée une variété de peintures All-over et d'œuvres sur papier dans des couleurs primaires vives. La surface presque entièrement recouverte donne au spectateur une impression d'étendue infinie avec, de temps en temps, des aperçus de délicats écheveaux de couleur qui ressemblent à des gouttes éparpillées sur le papier [SF59-166]. À cet égard, Francis peut également être associé à l'Action Painting, avec son application libre et gestuelle de la peinture, ainsi qu'à ses peintures Color-field, ses gouaches, ses acryliques et ses aquarelles réalisées à partir de la fin des années 1940 et des années 1950.

 

À la fin des années 1950 et au début des années 1960, Francis a commencé à expérimenter des compositions flottantes et fluides, semblables à des balles, en contraste avec l'espace vide et pour souligner l'un de ses thèmes favoris, l'air-lumière-espace, ainsi que les éléments du feu et de l’eau.

 

Francis a d'abord créé cette série dite "Blue Ball" dans son studio à Paris. L'espace vide semble être d'un blanc limpide. Cependant, l'artiste a adouci le blanc en y ajoutant des nuances de bleu clair ou d'autres variations de couleurs pastel. Il l'applique sur la surface avec des mouvements fluides et flottants pour obtenir une tendresse de la zone blanche. Les élégants coups de pinceau de Francis et les lavis de gouache, d'encre et d'aquarelle, nommés par l'artiste dessins en couleur, soutiennent ce type d'effet de flou. Cette série, avec ses compositions biomorphiques organiques et progressives, est restée d'une importance particulière pour l'artiste tout au long de sa vie artistique. Ces œuvres sont le fruit des expériences vécues par l'artiste lorsqu'il était pilote et qu'il voyait le monde d'un autre point de vue, lorsqu'il était étudiant en botanique et passionné par la flore, ou encore lorsqu'il était étudiant en médecine et qu'il a été à l'origine des diverses formes cellulaires de ses compositions [SF60-022]. Parallèlement, Francis travaille sur des œuvres colorées All-over sur papier, peintes à l'acrylique, avec un accent particulier sur les formes organiques [SF60-1363].

 

Grâce à plusieurs voyages autour du monde qui l'ont conduit à Berne, à New York, à Mexico et en Asie, notamment à Tokyo, au Japon, son travail a également été influencé par les enseignements mystiques de l'Extrême-Orient et Francis a étudié les possibilités d'expression offertes par les surfaces vierges. Ce nouveau développement de sa série Blue Ball est déterminé par les différents cercles colorés qui semblent sauter du plan de l'image peinte. La composition imite la vue d'un avion, la façon dont les paysages sont vus d'une grande hauteur. Francis a choisi des couleurs primaires particulièrement intenses, les a diluées et les a appliquées en lignes fluides, presque transparentes. Les formes elles-mêmes apparaissent en quelque sorte en trois dimensions. Cette technique a donné lieu à des compositions nettement libres et, avec ses espaces ouverts, a renforcé ses thèmes de lumière et d'espace. Comme le montrent les écrits de Francis, l'aspect métaphysique de ses œuvres est le résultat de l'influence de son père, professeur de mathématiques, ainsi que de ses propres études.

 

Vers le milieu des années 1960, alors que Santa Monica est son lieu de résidence permanent, il affine les motifs All-over dans des formes en spirale, en utilisant de plus en plus le vert foncé en combinaison avec le bleu et le jaune [SF65-069]. À partir de 1970, Francis commence à travailler sur des structures plus géométriques avec des lignes colorées plus claires dans le but d'encadrer l'image. Son intention était de faire de la place pour un centre en blanc, fortement lié à la série Edge et aux Fresh-Air-Paintings, mais il a également créé des bandes de couleurs linéaires pour remplir l'espace blanc. Comme l'a déclaré Margaret Francis, "elles existent en contraste avec le vide central de ses anciennes œuvres d'art. Il y a l'image et l'espace négatif, appelé le vide, qui était également important pour les peintures du bord. La toile blanche est le vide. Avant de commencer à peindre, on est confronté au vide dans le sens des possibilités et de l'infinité des possibilités " [SF71-1021 et SF75-1192]. 

 

Comme nous l'avons déjà mentionné, la série des Blue Ball réapparaît d'une manière sensible, l'espace blanc étant harmonieusement rempli de boules flottantes et entouré de coups de pinceau fluides comme des gouttes [SF70-07].

 

À la fin des années 1970 et au cours des années 1980, son travail s'inspire principalement des idées fondamentales de la méditation. Il commence à utiliser des formats de plus en plus petits, qu'il remplit de motifs de mandalas. Pour Francis, ses œuvres sur papier avaient le statut de peintures. Selon Margaret Francis, "les peintures de petit format ont la même importance que les grandes peintures, car elles contiennent la même préparation, et elles sont indépendantes. Certaines sont peintes en noir et blanc, issues de son subconscient. Ces peintures en noir et blanc, comme des cercles ou des roues, sont réalisées à l'encre calligraphique japonaise, appelée "Sumi", que l'artiste a également utilisée pour varier les nuances du noir profond au gris doux. Ils peuvent être considérés comme des ornements calligraphiques, rappeler des visages ou diverses sortes de mandalas. Le cercle est considéré comme un symbole de l'infini et, dans la philosophie orientale, c'est un symbole zen. Le carré dans un cercle rappelle la cérémonie du thé avec une pierre dans un carré et un cercle. Il peut être compris comme une transcription de l'esprit de Francis. Ses sentiments spontanés et rythmés sont le résultat d'une médiation quotidienne et de son souci de transcendance". [SF 85-248, SF 85-557, et SF85-669].

 

En outre, d'autres variations de mandalas ont été créées avec des couleurs fortes, comme le vert ou le rouge, et des couleurs complémentaires (1979), et ici elles sont peintes à partir de sa conscience. Ils sont intensément concentrés et rendus sous la forme d'une porte ou d'une sorte de rectangle. Dans les peintures de Francis, les mandalas, peints dans des couleurs vives, comme le vert ou le rouge, qui sont très condensées, ont la forme d'une porte ou d'une sorte de triangle. La forme de porte signifie l'entrée dans le cosmos [SF79-1094, SF79-1095, SF 79-1101, SF 79-1102, SF79-1103, SF79-1104, SF79-1105]. Selon Peter Selz, "cette série constitue un nouveau départ, très en phase avec son implication dans la pensée jungienne et l'exploration des rêves ».

 

Dans les années 1980 et au début des années 1990, l'artiste a également créé de nouvelles interprétations de ses premières compositions Color-field. Il applique parfois des couches fluides et fines de peinture saturée sur la surface, évoquant un impact All-over avec des éléments dégoulinants dans des structures souvent en forme de grille ou de toile [SF86-917, SF86-918]. Certaines œuvres colorées sur papier sont dominées par une forme noire tout à fait au centre du plan de l'image [SF90-396, et SF90-397]. Par ailleurs, l'artiste continue à se concentrer sur les Blue Balls. Cependant, il les a créées sous des formes plus minimales et plus claires, utilisant souvent des tons vifs de bleu de cobalt et de vert [SF86-919, SF93-01, et SF93-02].

 

Dans les deux décennies, Francis choisit l'acrylique sur lin ainsi que sur papier pour alléger ses variations de couleurs vives. Il continue à partager son temps entre ses ateliers de Californie du Nord et du Sud, Tokyo, et il passe également du temps à Manchester, avec sa dernière femme, la peintre anglaise Margaret Francis, née Smith, et son quatrième enfant, le plus jeune fils Augustus James Joseph Francis.

 

Francis a toujours suivi le développement continu des différentes formes d'abstraction et a réussi à créer ses propres concepts de composition. Dès les années 1950, l'artiste a acquis une grande notoriété dans le monde de l'art international et sera toujours considéré comme l'un des principaux artistes américains du XXe siècle.